"Postmoderne und der Technik: eine neue Ära neobarroca?"

"Postmoderne und der Technik: eine neue Ära neobarroca?"

"Die Tatsache, dass die Welt Bild wird genau das gleiche Verfahren wie das, in dem der Mensch wird subjectum innerhalb des bestehenden"

Martin Heidegger

Die Moderne als ein Phänomen war eine Zeit der ständigen Innovation selbst enthalten sind vier Schlüsselprojekte: die Säkularisierung der Kunst; die expansive Projekt mit Weltwissen aus der Wissenschaft, der Gott des modernen; das Erneuerungsprojekt, das den Austausch regelt und hebt den Begriff der Ruptur und Neuheit als eine Möglichkeit, dies zu tun und schließlich den Demokratisierungsprojekt, mit dem Leitmotiv dieses Wissen ist eins und unteilbar, und deshalb universal, für jeden, unabhängig von ethnischer, sexueller oder kulturelle Unterschiede, denn es ergriffen und über Grund, kultiviert.

Die Formulierung dieser Projekte befasst sich mit dem Begriff der Autonomie, einstellbar auf alle Bereiche des Lebens und vor allem der Technik als kreativer Raum par excellence, wo Sie gelernt, Erfahrungen zu verallgemeinern und sie in kollektive Fakten daher konzipierte das moderne Zustand Geschichte als ein einheitlicher Prozess, der eine "progressive" der Menschheit geht, trägt so die Idee des "Fortschritts" eng mit dem Begriff der "Geschichte" verlinkt wird möglich. Nur wenn es möglich, darüber zu sprechen und es ist genau aus diesem Grund, dass die Moderne endet, wenn es nicht mehr möglich, mehr zu der Geschichte als Einheit Prozess mit einem Rechenzentrum "Events" zu sprechen und reagiert auf eine Darstellung, -read dominanten Kulturen Europas und dann alles, was als erste weltweit, sie nur aus Ihrer Sicht gebaut haben, das "oberste", die Sieger, und in der Tat bestreitet die "Geschichten" der dominierten Kulturen, primitiv oder Untergebenen, der zu einem bestimmten Zeitpunkt "rebelliert" und problematisiert diese Ansicht, die letztlich eine Antwort auf die "am weitesten fortgeschrittenen" Zivilisation, und das einfach hat ergeben, heute als ideales unter vielen anderen auch zweifellos attraktiv, sondern ist selbst eine Variante zu wählen, weder besser noch schlechter als die anderen.

Das Aufkommen der Gesellschaft der Kommunikation, die Massenmedien, war ein wichtiger Faktor, die zutiefst markierte das Ende der Moderne, wie Charakterisierung eines chaotischer, und paradoxerweise emanzipierter, immer komplexer werdenden Gesellschaft vom verbreitet die Proliferation von verschiedenen "Weltbilder" durch den Einsatz und manchmal Missbrauch-technologischer Mittel vorgesehen. Das Interesse an der von der Entstehung einer "Markt", die ständig erweitert erzeugten Informationen, erfordern die Umwandlung von all dem Objekt der Kommunikation, so dass Grenzen verschwinden und fordert Subkulturen ans Licht kommen, pluralizing das Bild kulturellen und verursacht den Übergang auf die Bühne, die Moderne zu leugnen würde, und dass irgendwie das überschreiten: Postmoderne.

Nun bedeutet dies media um Multikulturalität und interkulturelle Öffnung hat ein besseres Verständnis unserer Wirklichkeit aktiviert? Ja nein. Diese Informationen Freiheit und die Bombardierung von Nachrichten durch die Medien, die -in impliziert, die vor allem in der heutigen Zeit hat das Internet einen ursprünglichen Platz belegt, hat sich immer weniger vorstellbar, und glaubwürdig die Idee einer Realität. In der Tat ist es aus den von den Medien zur Verfügung gestellt Bilder gebildet wird, so dass diese postmodernen Gesellschaft ist an der Erosion der Selbstzerstörung "Realitätsprinzip" objektiv und "lebenswert" und die Umsetzung der Poetik des eingebauten Rohstoff-Bilder der Welt, was phantasmatischen? der Massenmedien. Diese Vision schafft eine Schöpfung der Geschichte durch die Gleichzeitigkeit und ermöglicht beispielsweise Fernseher, ¿tatsächlichen Scan-Techniken und die Welt macht die Position des Künstlers in diesem postmodernen Welt dicotomice zwischen Schizophrenie? - hohe Kunst, low art, Galerie und Marketing, und Zynismus und markierte damit einen Wertewandel, das Recht auf den Markt, ändern Gottes, die "Veröffentlichungen" der Künstler des Begriffs der "Transzendenz" modern, und versetzt Sie in die "Kunst-Event", wo was zählt, ist der Erfolg.

Postmoderne, wie jede Erneuerungsbewegung, eine Krise in bestimmte Konzepte als unbewegliche von der Moderne und vor allem, die historische Kategorie der Autonomie der Kunst und versuchte, den autokratischen Elitismus von einer intellektuellen Minderheit auferlegt in die Gesellschaft zu brechen und suchen eine Popularisierung Kultur durch die festlich, phantasievolle und Theater Erfindung des Codes der Vergangenheit, -negados durch Modernität als frei von Werten und Umgangssprache Elemente jeder Region oder eines Landes, arbeitet sie als kulturelles Zeichen, die subjektiv verbindet, Manipulation ihrer Bedeutungen haben.

Postmoderne nicht tut Klammern, noch unterbricht die Referenten aber Arbeiten problematisieren die Referenz. Schauen Herkunft ist an sich ein Prozess der Herstellung Mythen Darstellung liegt hinter allen anderen in der Warteschleife. Die Aufgabe von kritischen Postmoderne ist buchstäblich die Dinge. Paradoxerweise behauptet Postmoderne in irgendeiner Weise dieses Konzept, um die Erstellung des Künstlers, sich selbst und die Öffentlichkeit autonomise, die Priorisierung der Show, -ritual ephemere, die die Originalität bestreitet, vor allem in ihren inicios-, und bewirkt, dass ein " Begegnung mit der Wirklichkeit ", eine weitere Utopie, oder die gleiche Ende der Utopie, denn Realität ist" massmediática "oder Boudrillard sagen:" Inszenierung ", ein Produkt von der Realität der Medien.

Unsere postmodernen Gesellschaft hat auch Gebrauch von anderen Ressourcen, um den Anteil des Wissens in dieser Welt der mehrere Darlehen und Veränderungen und zum Beispiel hat eingesetzt erweitern das "Ich intertextualité" als Medium der Lage ist, eine ganz besondere Originalität, mit Start und Ziel in die Person, die der Leser als einzige in der Lage zu machen, "Verbindungen zwischen Text und Intertext-Interpreter, der einzige, dessen Geist Semiotik unterschreiben zu unterzeichnen Transfer erfolgt," und das hat schließlich zum Kultobjekt für neue Liebhaber zu werden Text, tematizándolo und es als eine interpretierende Bezugnahme auf andere Texte.

Intertextualität als Wort seit den späten sechziger Jahren gegründet, mit Julia Kristeva Studien aus der Arbeit der russischen Theoretiker Michail Bachtin und nutzt verschiedene Ressourcen für die Umsetzung: das Zitat, Parodie, so dass ein Brunnen, Einflüsse ironizaciones, das Klischee und Stereotypen, und diese wurden ausgiebig von allen Künstlern der neuen Avantgarde von den Autoren verwendet wird, in erster Linie, aber dann auf andere Bereiche der Schöpfung und der bildenden Kunst, Musik, Theater hochgerechnet und Tanz.

Omar Calabrese, Postmoderne sollte als "Neo-Barock", die völlig unterschiedliche Reden gegenübergestellt, die nie zuvor lagert worden sind, wo pluriexpresión vom Subjekt selbst ist das Zentrum eines heteroutopía bildet sieht "gelesen werden Massenmedien ", wie die anderen anthropologischen in der heutigen Gesellschaft.

Die Medien und die ständig steigenden Entwicklung von Wissenschaft und Technologie, die Welt und persönlich -irreal und in Sichtweite von der besonderen Beziehung zwischen aktiven und passiven Informations -perceptor Mann gegründet konkretisiert - und die Medien-Fernsehen, Internet, Facebook, Sonico- und dass ein Teil der enge Beziehung hat er mit seiner persönlich-PC-Computer und digitale Navigation, stürzte in den Ozean der -manipulada- Informationen es gibt uns, und dass schafft einen Zustand der Entfremdung auch nicht vergleichbar mit der in Mann vor allem in den Künstler-der industriellen Revolution mit seinen Gedanken-und comentadas- der Evolution und Fortschritt hergestellt, denn diese neue Phase ist freiwillig und angenehm empfangen und angenommen Die Befürworter der neuen Entwicklung "computarónomos", "Internet" oder "ciberinternautas", die ein Abhängigkeitsverhältnis vergleichbaren technologischen bedeutet nur, dass ein Baby zu seiner Mutter in den ersten beiden Lebensjahren Projekte zu generieren.

Mit so auch Kunst. Technologisierung der Gesellschaft, wie von Jean-Claude Passeron als "Zivilisation des Bildes" definiert virtualisieren ihre Handlungsfelder und erleichtert die "Begegnung" mit dem Kunstwerk, so dass Ihr Empfang Wahrnehmung-und mehr intime und persönliche, die nur als Vermittler auf dem Bildschirm Ihres Computers.

In der darstellenden Künste, als Darstellungen, die den visuellen und auditiven Sinne brauchen für Ihren Genuss, Postmoderne und technologische Entwicklung sind von großer Bedeutung, insbesondere für die formidable Testgelände, die die szenische Gestaltung, Theater und Tanz, besonders das letztere, für alles, was reich choreografische pragmatische visuelle Erfahrung für den Betrachter sein kann.

In der Tat, in der heutigen Welt Landschaft und malerischen Mittel sind vor allem von der Technologie durch den Einsatz von elektronischen Medien wie das Kino, die Daten zeigen gelöst, zusammen mit den Bewegungselementen - Tanzkompanien, die Nutzung der Potenziale scenic - Tänzer-Techniken.

In der kubanischen danzario Universum haben sie -vor allem in den letzten zehn Jahren der mehrere Beispiele des zwanzigsten Jahrhunderts, die Arbeit, die auf die Verwendung des postmodernen choreographischen Sprache, in ihre Vorschläge auf der Basis gewesen, aus der Arbeit der kubanischen und ausländischen Schöpfer und Unternehmen.

Das Theaterstück "Charmes" Karine Saporta ist ein Kunststoff-mosaik audiovisuellen Medien zu reflektieren Farben des Blaus besonders Proszenium, die die Haut der Tänzer bis zum Mittelmeer Referenz Weise elektronisch Mischen der Klang der Wellen mit Grau Bilder von der Speicherblöcke extrahiert, Felsen, die aus dem Meer und kombiniert seine Visualität mit Rutschen auf dem Forum projiziert - auch Folien, die die einzigartige Kulisse des Stückes bilden, und dass der Verkehr den Betrachter an die alten klassischen Welt Die Akropolis von Athen, und Skulpturen in der klassischen und hellenistischen Zeit erzeugt, - der Propyläen, die Nike von Samothrake, Aphrodite von Kyrene, durch die Einbeziehung einen Charme, dass einige der Künstler, die ihren Höhepunkt im Publikum, die Umwandlung zeigen einen Mythos, -narrativo, fantastisch, wissenschaftliche, logische und rationale Denken, im Gegensatz, wo griechischen Tragödien-und diese weiblichen Figuren: Jocasta, Medea, Antigone, Fedra-, aus den Geschichten wieder hergestellt , -psicológicas- plastisch von den Tänzern dargestellt wird, in einer Welt, wo die Postmoderne mit Mythos gemischt.

"Nayara, aussehen, aber fass mich nicht an", arbeitet der algerischen Samir Akika und Tänzer des Unternehmens Danza Contemporanea de Cuba, am 3. Dezember von Eduardo Arrocha veröffentlicht im letzten Jahr auf der Mella Theater, mit Lichtdesign auch zeitgenössischen postmodernen Unsinn von der Konzeption, die in der außerordentlichen Alltag organisiert, Echt was Alejo Carpen wunderbaren und magischen Realismus von García Márquez, der Fragmentierung der Geschichten, der den poetischen Text zu kombinieren, die Band klingen, -alle in Englisch und mehrere Messwerte, so dass eine respektlose, konzeptionelle und postmoderne Mosaik Havanna frühen einundzwanzigsten Jahrhunderts. Zu diesem Zweck verwendet der Choreograph Nebeneinander kinetische kaleidoskopischen Bildern und textlichen Reden auf der Szene: eine, die Tänzer sich in den physischen Raum der Bühne; und das andere, das projizierte sich im Forum, von einem Medium befindet, welches Geschichten-persönliche und kollektive, vermischen sich und interagieren in einer Ästhetik des Absurden, im übertragenen Spiel, wo das Paradox, Ironie Sie sind fragmentiert und die Techniken, die von Akika angewendet ständig überraschen.

Tanzkompanie Kombinatorik ebenfalls in dieser postmodernen visuellen und Medien, in denen intertextuelle Referenzen sind das Leitmotiv des ganzen Werkes eingesetzt. Die choreografische Arbeit "Geber", dass ein Teil der Erholung, die Paradiso Rosario macht, José Lezama Lima, in denen-insbesondere Fragment wird aus Sex zwischen Fronesis und Lucia, wo der weibliche Charakter ist, der spinnt und entwickelt alle durch die Geschichte und die Verwendung des Referenz Zeichen der Geschichte der universellen Kultur, der Göttin der Schlangen, "Der Garten der Lüste" von Hieronymus Bosch, Astrologie.

Die Arbeit wird durch einen Satz von minimalistischen Design Budget gearbeitet, wo die wichtigste ist die Verwendung von Fallschirm in der Szene haben, unterstützt eine Doppelfunktion, landschaftlich, -Unterstützung für das Drama des Spiels, und sígnica, -sirve wie Kreuzung und Verschmelzung aller bailarines-, wo der Farbton wird von der Beleuchtung, technische -a Ressource erreicht und sehr pragmatischen und symbolischen Farbkonventionen als szenische Projektionen psycho Mannes Welt.

Erstellen von virtuellen und multimedialen Museumssammlungen der großen Museen der Welt, wird es immer auf Reisen in das Land des Referenz ist fraglich Ort, um zu genießen, die Arbeit, wenn nachgewiesen werden kann, ohne das Haus zu verlassen geschehen, und das gleiche passiert mit der Schaffung, Videokunst, digitale Techniken, die Verschärfung der Idee, das Konzept über die Rechnung, das Handwerk, so dass es zu verdünnen und bleiben als einfacher Verweis auf das, was war, oder als Klasse Bewegung, und ist Appelle an die "virtuelle" Schöpfung "verkaufsfähigen" auch über das Internet, digitale Auktionen, wo es möglich ist, eine Arbeit nur mit der Maus zu erwerben.

Die Künstler übernehmen die Realität-und proyectan- von neuen Visionen, in denen das Paradox, Vergnügen, widersprüchlich, heterogenen, subjektive, bruchstückhafte, metaphorische, narrative und Ironie werden zufällig kombiniert, bei Gelegenheit, von der kreativen Gegenstand, durch welche es Kunst von ihren wesentlichen und transzendenten Natur zu lösen, beinhalten verletzen die Leinwand für das Konzept, das Wort, in Werken, wo der Kitsch erscheint als Ästhetik, oder antiestética- und "Massenmedien "sowie das Eindringen in andere künstlerische Felder mit Menschen als aktive Einheit in den kreativen Prozess-Ausstellung, und ich jetzt des Phänomens, die Geburt zu den Geschehnissen hat, die Kunst der Performance, der Body-Art, die Umwelt zu sprechen Die Einrichtungen-und kombiniert neue Ausdrucksmittel in virtuellen, Multimedia oder intermidium Plätze, und das anzugeben, dass dieser Art sind "die Chancen der Technologie, um aus der Perspektive der Kunst als Vehikel für die Transzendenz beurteilt werden" Mehrere Beispiele in der heutigen Gegenwartskunst errichtet metadiscourses tecnovisuales.

Technologisierung wachsende Phänomen der Kunst als postmodern umfasst mehrere Risiken, die von seinem Schwerpunkt auf geistige und literalist Bekanntheit, Image und Gedächtnis, in dem die Entfremdung des Körpers und Emotion motiviert einen kollektiven Unbewussten verschärft, die Charakterisierung der technologischen Optimismus unserer Zeit, die, weil sie den Mann Gehirn Geschwindigkeit nicht in Einklang bringen können mit der Entwicklung der Maschine erfordert die Kultivierung einer Sensibilität, die repräsentativ für die Unterstützung und Beschleunigung ist die Kultur des späten zwanzigsten Jahrhunderts und frühen einundzwanzigsten Schritt. Art Pflicht ist dann zu stellen, die von den Bildern des Alltags, das Universum des menschlichen Zusammenlebens, komplex-all das, was die humana- Optik austritt, dabei versucht, die Fülle von Sinneserfahrungen des Menschen zu erfassen.

Cyberkultur, dass Kultur "gezähmt" mit technischen Geräten, schlägt auch ein Kult der "Voyeurismus", die in einer Identität des Geschmacks für elektronische naked-Strom ausgebildet ist, um von allen gefangenen digital diesem Mann zu sehen ist cibernético- als Mutante Stufe einer Gesellschaft des Spektakels, wo alles über Computerterminals und Videoschaltkreisen bewegt.

Deborah Arbeit Nofret Computer nutzt dieses Instrument, um ein kollektives Porträt der post-historischen Epoche fragmentierten, durch den eventuellen Fall, wo die Zeitmaschine wird mit dem Thema verwirrt begrenzt komponieren und zwingt den Künstler innerhalb verlagern Hybrid zwischen der realen und der virtuellen Welt. Der Künstler arbeitet ein traditionelles Genre wie dem Portrait von Ihrem digitalen Gerät, so dass dies eine Allegorie der telematischen Gesellschaft durch Isolierung gekennzeichnet. Seine Technik ist aus einer Ästhetik der Abwesenheit, Verschwinden, manipulierten Fotografie artikuliert und die Schaffung eines digitalen Doppel, die den Körper gelöst oder in mehreren physischen und konzeptionellen Möglichkeiten, wo organisches Material mit elektronischen Geräten und verschmolzen ist mutiert erstellt ein Hybrid, der in das Netz eingelegt wird - Art.

Postmoderne und Technologie ist auch mit einem starken begrifflichen und landschaftlichen Ladearbeitsraum von einem minimalistische Ästhetik, die sowohl auf dem Empfänger und alle Wahrnehmungsphänomene, die zwischen ihm und Arbeiten existieren konzentriert sich derzeit die Manipulation Raum und psychologisch-physischen Menschen und ich kollektiv. Dies ist der Fall mit der Arbeit der beiden Künstler, die zwei verschiedene Ansichten des gleichen Phänomens, Olaffur Eliasson und Michal Rovner, der den sozialen Protest und Entfremdung des Menschen, basierend auf der Verwendung von technologischen Ressourcen, Neon und Rohre, Gerüste arbeiten darstellen , Videos-, zu geben, die chaotische, fragmentiert und Kritik an diesem Informationszeitalter Atmosphäre.

Das gleiche gilt für die Manipulation des visuellen Bildes, die durch die Videoinstallation bearbeitet werden können, explizit Plotten gerissen Psychologie des modernen Menschen, zu leben gezwungen, -competir- mit der Maschine; oder zur Bewältigung von psychischen Störungen und die besondere Weltsicht des Leidenden, fotografische Bild digital manipuliert er und unter Verwendung des Elements Licht, um die innere Welt des anderen neu ist der Patient, der hinter einer Maske versteckt ihre Erinnerungen und persönliche Geschichte als Ressource und mit der Rekonstruktion eines Bildes aus seinem Gedächtnis, einem Speicher oder besser, kann die gleiche Erinnerung an seine persönliche Geschichte in so einem ungeeigneten Raum für freie Meinungsäußerung und einer psychiatrischen Klinik sein, -manicomio-, wann immer das Fehlen liest sich wie ein Gefängnis Raum, in dem man lesen kann, -a kehrt, die wahre Geschichte unserer eigenen Ideen; oder es ist auch deutlich in der Verwendung des Anzeichen von chromatischen Tönen, eine Erfahrung oder Speicher in der digitalen Werbetafeln, zu extrapolieren, wo die Objektdarstellung eines Namens, -femenino-, Angela, für die durch die Verschlimmerung der Kraft symbolischen Blick, zeigen ihre innere Einsamkeit.

Die Beziehungen zwischen den Menschen durch den zeitlichen Verlauf gekennzeichnet sind einseitig und fast Beichtstuhl von Künstlern neu erstellt, personifiziert seiner inneren Vision und sensorischen und flüchtige Zustände, die sie entwickelt, Liebe, Freundschaft, Zuneigung, Solidarität, die Einsamkeit, die technologischen Ressourcen zu stärken und zu vertiefen irgendwie, die mehrere Messwerte, die die Arbeit Angebote.

Auch Adressierung der Geschlechter als eine traditionelle Landschaft von neuen Technologien bietet er eine andere Verbindung zwischen diesen Charakter, -die Landschafts- gegründet und -exiliado Interieur- Künstler, der es als ein Raum für Selbsterkenntnis sieht und Entfremdung, so kritisch und transformative Blick auf dieses Umfeld inzwischen ihren Anwendungsbereich. Die harmonische Koexistenz und dialogischen zwischen dem Natürlichen und dem Künstlichen, beispielhaft für die Cyber-Gesellschaft von einer nicht chaotisch, aber fragmentierte Perspektive der postmodernen visuellen, wo der Verflechtung all dieser Codes sind nicht gegenseitig ausschließen.

In modernen Gesellschaften die Datenautobahnen und dringen in den Alltag. Multimedia und elektronische Anschlüsse sind als außergewöhnliche Chance für die Kommunikation von Kunst, die wiederum ist der erste Schritt in Richtung globale Integration, in dem die Genehmigung der Geist, der sagt, beinhaltet eine Stornierung der Individualität und Identität eingeleitet Personal und / oder Kultur einer Einzelperson, Gruppe oder bestimmte Nation. Die Entfremdung setzt diese Globalisierung der künstlerische Bild ist eine Quelle der Kraft für den Künstler, um eine Anti Entpersönlichung des Menschen zu schaffen, aus der Extrapolation der seine Geschichte und intimen Erfahrungen, -die microevento seines Lebens, die Verbesserung -Personal und kollektiven Gedächtnis als Mittel zur Wiederherstellung von einer Identität, die von Computer-Ports verdünnt wird. Diese pluriexpresión Erzeugung Mediengesellschaft macht die Betrachtung der technologischen Realität wird zum Kunstobjekt als Erweiterung des menschlichen Körpers, ohne zwischen ihr und der Lebenserfahrung des Künstlers.

Die Digitalisierung des Alltags, wie Bilder autorreflejan- eine andere Wirklichkeit, wo alles ist unwirklich, traumhaft und schwer schafft, und wo ein Mann, -cibernético- ist nur eine Korpuskel minimiert zwischen Computernetzwerken verloren, endet zu glauben, dass die wahre Wirklichkeit ist durch die Medien und das Internet, projizierte Matrix-ein wirklich, wo alles neu und fictionalises, Barrieren werden gelöscht und die Erfüllung von Projekten ideal Cyber-Gesellschaft Verbraucher und wo Sie am Ende fragen, und ich paraphrasieren nun Nietzche- "wie die reale Welt, am Ende, wurde schließlich eine Fabel."

Informationsquellen

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2. Krebs, Victor J. Del Alma und Art. Museum of Fine Arts in Caracas. Caracas, Venezuela. 1997.

3. Mosquera, Gerardo. Pop an den Pfosten. Editorial Kunst und Literatur. Havanna. 1993.

4. Nietzsche. Götterdämmerung. Alianza Editorial. Madrid. 1973

5. Pfister, Manfred. "Wie geht es postmoderne Intertextualität?" Intertextalitat 1 2004.

6. Vattimo, Gianni. Die transparente Gesellschaft. Editorial Polity Press. Barcelona. Spanien. 1990.

Heidegger, Martin. "Das Zeitalter des Weltbildes." In Sendas Verluste. Losada. Buenos Aires. 1960. S.81.

Pfister, Manfred. Wie ist postmoderne Intertextualität? Intertextualität 1 2004.

Benjamin, Walter. "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit". Rede unterbrochen I. Editorial Taurus. Barcelona. 1973. S. 25

Nietzche. Die Götzendämmerung. Alianza Editorial. Madrid. 1973

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